martes, 7 de diciembre de 2010

18:23 0

Bloggero arrepentido...





Después de una larga separación del teclado y un exilio del ciberespacio nos pareció conveniente para retomar el hilo del blog repasar una que otra entrada con la intención de considerar el calibre intelectual puesto en evidencia.

Durante el examen eliminamos una sóla entrada por parecernos bastante ingénua la idea sugerida en ella. En seguida, buscando pretextos fotográficos para desentumir los dedos nos lanzamos al ciberespacio tan añorado. Y, como para reprocharme tanto tiempo de ausencia en sus entrañas, el buscador de Google nos escupe a la cara este resultado de una consulta que ya no recuerdo cómo era: http://foco.me/los-9-ojos-de-jon-rafman/.

¿El tal Jon-Rafman será uno de nuestros miles de seguidores y nos tomó la palabra siguiendo la sugerencia, o se le ocurrió la misma idea que a nosotros, eliminada en un momento de ingenuo pudor comunicativo? Según este sitio, http://altfoto.com/2010/12/jon-rafman-y-su-proyecto-fotografico-sobre-google-street-views,

el proyecto fue presentado por ahí de los inicios de este mes. Nuestra entrada injustamente borrada tiene por lo menos tres meses de antiguedad. En fin, jódete y baila, dice Henrry Miller. El redactor de la nota se pregunta algo interesante: ¿es fotografía si no hubo un humano que tomara la cámara y realizara las tomas? ¿la mera elección de las tomas puede ser considerado como acto fotográfico?

Bueno, también habría que preguntarse quienes patrocinaron la exhibición en el New Museum de Nueva York. Tan urgidos están de novedades o de verdad tengo buenas ideas...

Que esto nos sirva de experiencia a todos, porque si hubieran hecho eco de mi sugerencia no hubiera creido estar diciendo estupideces... Así que por favor, manden comentarios sobre las entradas del blog para que no sienta yo que estoy tan solo... ja!

Aquí su página 9 ojos:



Y aquí nuestra entrada recuperada del cache de Google, borrada por inseguridad del bloggero:

Escriban:
cache:www.disderifotografia.blogspot.com



Las fotos de Google Maps y el arte de la fotografía...

José Cibrián 0 comentarios


Uno de los miles de seguidores de este blog, al ver la siguiente foto en una galería virtual ( http://www.multimagen.com/portfolios/portfolio.php?id=8373 ), preguntó hasta donde habíamos tenido que viajar para encontrar tan sublime paisaje... Si por casualidad habíamos esperado alguna época del año en específico y tal vez una hora particular del día... (Claro, no sabe que existe el Photoshop).

Al indicarle como llegar a tal sitio utilizamos Google Maps, para ser más gráficos, y se nos ocurrió si se podría tomar fotos de este servicio y convertirlas en arte. Y, si fuera factible, de quien serían los derechos...

Aquí la foto mencionada:

Aquí las vistas de Google Maps:

Y aquí un intento de convertirse en fotógrafo de paisajes sin tener que viajar realmente:

¿ Bastaría con vagar por todo el mundo sin rumbo fijo?
FOTOS RECUPERADAS DE PICASA WEB ALBUMS:



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sábado, 24 de julio de 2010

20:27 0

Composición, política, salven el planeta, "Only Raw" y el Concepto de Aura...

A casi cuarenta años, cuando imaginábamos entrar en una nueva era fotográfica donde colmaríamos nuestros deseos de realización artística gracias a la tecnología digital, y precisamente con la ansiedad de aprender de los grandes maestros, nos encontramos con una videoconferencia cuyo tema nos atrajo de modo irresistible: La Composición, con mayúsculas. Pero, en lugar de satisfacernos con los sustanciosos conceptos insinuados por el título, sólo nos sorprendimos por los deshilvanados comentarios del ponente con duración de más de una hora, pasando por la política y la ecología.

Aquí surge un tema que por defecto no nos interesa: la militancia política del artista, bastante bien tratado por Mario Vargas Llosa refiriéndose a la literatura. En cambio, cuando el ilustre conferencista llama "falsos dioses" a los programas de edición digital como el Photoshop, nos interesa mucho el tema. Pero no por fanatismo, pues apenas lo utilizamos para conseguir algunos efectos logrados antaño en el cuarto oscuro, aunque esperamos seguir aprendiendo su manejo, sino porque nos parece una confusión de actitudes ante el arte bastante sencilla en la que incurren quienes se autonombran "puristas". Actitud manifestada por la "repulsión que muchos fotógrafos tienen con los "trabajos de cocina".

Pero antes de enfrentarlos a la decepción compositiva, les presentaré un artículo de nuestra vieja revista del año 1973 para ir entrando en el tema principal.

"Es comprensible el sentimiento de repulsión que muchos fotógrafos tienen con los trabajos de cocina..." Estas son las palabras de introducción al artículo principal del presente número de nuestra vieja revista para referirse a los fotógrafos creativos. Estos eran, en aquellos tiempos, quienes practicaban el sándwich, solarizaciones y demás trucos permitidos por la tecnología. Así, podríamos llamar "cocineros", si no es que "gourmets" por lo que pueden hacer algunos, a los fotógrafos fanáticos del Photoshop.

"Muchas fotografías son obras de arte, esto es algo evidente para los iniciados. Sin embargo esta afirmación se ve muchas veces discutida, ya que la fotografía también tiene un papel netamente utilitario. Entre la fotografía artística y la simplemente documental hay una gran diferencia, pero sus fronteras están mal definidas."

Documental o artística, esa es la cuestión. El arte siempre se ha manifestado a través de un continuo que va de lo objetivo a lo subjetivo, pasando por diferentes grados. Estos han tenido sus respectivos nombres: realismo, naturalismo, impresionismo, expresionismo... Y la fotografía se puede adjudicar cualquiera de ellos, sin preguntar por la opinión de la pintura, la cual le debe algunas cosas en su denominación impresionista según la revista: "el encuadre, el movimiento suspendido, la perspectiva, los contraluces, etc." Sigue la revista: "Dalí no niega nunca sus fuetes de inspiración fotográficas, y [ que ] en alguna ocasión dijo, no sin humor, que la pintura es fotografía hecha a mano".

"El que los pintores y los diseñadores se inspiren en fotografías o las copien y que los fotógrafos traten de producir imágenes imitando más o menos felizmente las telas de los grandes maestros, carece de interés. Lo importante es que existe un campo infinitamente vasto que los fotógrafos no han explorado más que con mucha timidez: el que revela propiamente el campo fotográfico."

Y aquí llegamos a lo más interesante del artículo: "Muchos fotógrafos se escandalizarán, pero lo único que pretendemos hacer, es constatar la evolución del sentido fotográfico. La imagen obtenida con una cámara no puede simplemente constituir un fin en si misma, como se piensa en general. Es también punto de partida, un material para trabajarlo a fin de obtener una forma de expresión".

Y finaliza: "Nuestros ejemplos prueban que la discusión carece de objeto. Contemplamos poemas en imágenes que exigen una concepción lo suficientemente sofisticada, como para transformar una foto banal en un poema fotográfico".


Era el año 1973 y ya la discusión carecía de interés, aunque los fotógrafos se mostraban tímidos al respecto. Steichen había "fallecido recientemente, después de contribuir a llamar la atención del público sobre obras completamente originales".

Regresando a la videoconferencia, empezamos por aclarar que la "Only Raw" no define una corriente artística como las mencionadas anteriormente, sino que nombra un requisito para participar en determinados concursos fotográficos cuyo tema es la Naturaleza, con mayúsculas. No es más que una iniciativa para evitar fraudes en dichos concursos, impidiendo el triunfo de fotógrafos muy imaginativos.

Sin embargo, partiendo de dicha iniciativa, nuestro conferencista toma la frase como estandarte para erigirse en portavoz de una corriente artística inexistente. Todo lo cual tampoco nos interesa. Debemos comprender que desde su nacimiento la fotografía fue considerada inferior a la pintura, y como hemos visto, todavía en los años setentas estaba luchando por su reconocimiento artístico. Por esto, es natural que ahora el resentimiento acumulado por dicho menosprecio se descargue sobre los fotógrafos digitales que manipulan las imágenes sin haber pasado horas en el laboratorio entre líquidos reveladores. No pudiendo considerarse igual a la pintura, busca sentirse superior a la computadora.

"Raw" designa el "negativo digital", impuesto por los mismos creadores del falso dios Photoshop, y traspasar los límites de un concurso cumpliendo con la exigencia de no alterarlo fuera de la cámara para transferir el requisito a todas las manifestaciones posibles del arte fotográfico es una actitud tan desilusionante como la videoconferencia de nuestro artista,

http://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Benito_Ruiz

muy respetado internacionalmente y por cuya biografía precisamente nos animamos a echarle un ojo al video en cuestión.

http://217.116.9.134/fundacion1/index.asp?Multicanal=FU1&programa=PR36&emision=1

Actitud no manifestada expresamente, pero insinuada por el tono despectivo utilizado al hablar de "los falsos dioses" refiriéndose al Photoshop; igual que otro de los adheridos al only raw llama "ilustradores digitales" a los fotógrafos que lo utilizan.

http://oriolalamany.blogspot.com/2008/03/iniciativa-only-raw.html

Manifiesta o no, tratándose de fotógrafos de la naturaleza, su actitud es muy comprensible; lograr fotos maravillosas de paisajes naturales debe implicar más cosas además de talento: gastos para viajar a través del mundo, es decir, dinero; paciencia para captar la mejor iluminación, es decir, tiempo. Con todas las molestias que viajar y permanecer a la intemperie puedan ocasionar. Por todo esto, que un simple "ilustrador digital", que no hace tal vez más que encimar y traslapar "layers" para lograr los más extasiados paisajes sin dejar la comodidad de su hogar, llegue a los concursos y se lleve el premio mayor debe causarles más molestias a los "puristas" que todos los viajes alrededor del mundo.

En fin, mientras los "puristas" de la "Only Raw" mantengan sus exigencias dentro de sus concursos, el mundo del arte no tendrá nada que temer; su grandeza es infinita y nunca ninguna "corriente artística" podrá recorrerla toda. Nosotros trataremos al mismo tiempo de llenar el vacío en nuestra comprensión de la teoría de la Composición, pues si el conferencista hubiera mantenido sus comentarios dentro del tema, no consideraríamos desperdiciada la hora y media que dura el video. Y tal vez nos enrolaríamos en las filas de la only raw seducidos por su sapiencia, pues por más que nos esforzamos, no logramos avanzar tanto en nuestra comprensión del Photoshop. Algunos dioses son crueles...

Para terminar, la conferencia y este "post", no resistimos elogiar la inteligencia de un asistente, quien preguntó si no estaría el maestro haciendo lo mismo que les reprocha a los adoradores de falsos dioses, al colocar detrás del sujeto una fotografía con el fondo deseado para su toma. Responde airosamente el ponente que no, puesto que él ya tenía la idea "antes" de hacer la foto...

De manera que la validez de una fotografía, sea digital o analógica, depende de la previa concepción de la idea, no de la técnica, en este caso, del truco, utilizados. ¿Donde quedó el "purista" y empezó el "ilustrador"? ¿Cómo comprobar si el artista ya tenía la idea "antes" o la encontró "después" de experimentar? ¿Y a quien le importa? Recordemos algo mencionado más arriba: "La imagen obtenida con una cámara no puede simplemente constituir un fin en si misma, [ ] Es también punto de partida, un material para trabajarlo a fin de obtener un forma de expresión".

Hablando de las relaciones entre la fotografía y la pintura, Oscar Marín Repollet dice a propósito del retoque digital: "De algún modo este neopictorialismo con el tiempo se verá coronado por el concepto de aura, el tratamiento digital de la imagen permite ampliar su contenido simbólico".

Y esta es la verdadera cuestión en todo este discurso sobre el "purismo" y los "falsos dioses". El Concepto de Aura, creado por el filósofo Walter Benjamín en su libro "La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica", cuyo título conviene mucho a la fotografía. Para quien quiera romperse un poco más el cráneo sugerimos este sitio donde parece actualizado el tema o algo así: http://www.wbenjamin.org/obra_de_arte.html

De momento, parece que el concepto de aura se refiere a ciertas cualidades percibibles, no sólo tangibles, en la obra de arte. El aura sería: "una objetividad metafísica que se sobrepone o sustituye a la objetividad meramente física de la presencia material". Pero, sin profundizar tanto en cuestiones filosóficas, debemos considerar que los fotógrafos verdaderamente "puristas" son los que trabajan en el cuarto oscuro, utilizando materiales de laboratorio y película fotográfica en cualquier formato, produciendo sus fotografías de manera artesanal, por decirlo así, negándose incluso a recortar el negativo para lograr un mejor encuadre. (Y también menosprecian a los fotógrafos digitales, aunque pertenezcan a la "Only Raw").

Como pensando en este concepto del aura, la revista dice: "Hoy la fotografía gracias a los progresos realizados en el color, el relieve, la plastificación y la impresión en telas, que dan a las fotos una perennidad y una nobleza en el soporte que le faltaban, se encuentra en disposición de jugar un papel considerable en el desarrollo artístico de nuestra sociedad". Era el año 1973. Y hablando del soporte donde se imprime una fotografía, en la actualidad los fotógrafos digitales pueden recurrir a papeles de gran calidad para proveer de aura a sus fotografías, acompañándolas de un número de serie y su firma.

Y a quienes les preocupe verdaderamente la composición, recuerden las palabras de Edward Weston: "Una buena composición es sólo el medio de presentar con mayor intensidad al sujeto".

Safe Creative #1008056983574

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viernes, 16 de julio de 2010

15:03 0

La mujer y el mar... la real irrealidad...



"Una mujer y el mar siempre es un tema por demás sugerente y cálido", nos dice la revista de este "sandwich" de Gerard Laurent, quien encontró "la relación que entre ésta [la pintura] y la fotografía existe, ambas son expresión de un mismo arte visual y expresivo". Si creen ustedes que Gerard primeramente se interesó por la pintura están en lo correcto. Pero nuestro invitado de hoy se cubre la espalda antes de permitirnos aludir al reproche Baudelariano "Pero hay que aclarar que ya desde antes me gustaba mucho la fotografía como pasatiempo"... Bueno, se nos escapó.






Este fotógrafo reconoce la influencia de la pintura en su técnica: "Siento que mi formación artística me lleva a realizar composiciones un tanto pictorialistas". Es admirador de los impresionistas y los imita forzando la sensibilidad de la película "para obtener grano" en blanco y negro; los surrealistas lo llevaron a descubrir el "sandwich" en color: "mediante él se consiguen efectos insospechados, sugerencias vívidas de una real irrealidad..."




Referencias escolares hacen suponer su nacionalidad mexicana, a pesar del nombre sonoramente afrancesado. Y la red nos muestra la real irrealidad del nombre al devolvernos este link de un homónimo realmente francés: http://www.maisongerardlaurent.fr/index.html


Vemos en las galerías de la maison que lo único en común además del nombre son algunas mujeres de glamorosa melena ondulada, como las olas del mar.


Si se preguntaron al principio porqué "siempre" la mujer y el mar es un tema sugerente, hemos de decir lo siguiente: faltándonos el ingenio habitual de que hacemos gala en cada estrada, no nos queda otra para explicarlo que aprovechar la última frase, jalada por los pelos, del párrafo anterior. Más importantes que las olas del mar son las líneas onduladas asociadas con la belleza, como decía Hogarth. Y del mar surgieron Afrodita, encarnación de la Belleza, las Nereidas, las Oceánidas, Galatea en su concha. Y de la cabellera ondulada se mencionan a Mnemosine, las Hespérides y las Oceánidas de "hermosos rizos"... Todo esto según Hesíodo. La cátedra terminó. Espero haberlos ilustrado un poco...





También podrían preguntarse porqué Gerard Laurent coloca sus redes frente a la belleza impidiéndole emerger hacia su playa...
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jueves, 1 de julio de 2010

18:35 0

La composición de la fotografía y la descomposición de Witkin...

Fue Robin Williams, como laboratorista fotográfico, el primer personaje de cine a quien vi utilizar una cámara en busca de su obsesión. Y su cámara fue la primera digital que conocí. También descubrí, de manera incidental, fotógrafos reales a través del cine. Joel Peter Witkin, por ejemplo.

En una película de terror y suspenso, la protagonista, estudiante de fotografía, hojea un libro con imágenes de la muerte. En ese momento de la historia, como el espectador, ella está muy interesada en el tema. Por eso, al detenerse la cámara un segundo en las manos de la fotógrafa se me grabó la palabra Witkin, escrita en el lomo del volumen.

Las fotos de sus cadáveres descompuestos y acomodados de manera tan esmerada son algo espantoso, pero transformado por la buena composición en arte maravilloso. Witkin está obsesionado con la muerte, también la heroina de la película. En su infancia, los dos sufrieron experiencias repugnantes que les sirven para crear lo bello con los materiales menos pensados para lograrlo.

"Puede hacerse una foto a un montón de libros o botellas de vino puestos sobre una mesa. Pero si se les coloca artísticamente y se ilumina bien, yo creo que por sí mismos son una válida realización". Esto afirmaba Stephen Lynch por el año 1973, fotógrafo invitado de nuestra vieja revista. Así que, miembros amputados o botellas de vino, todo vale mientras esté bien puesto.

Esta es una de sus composiciones.

"Pretendo con mi fotografía hacer una cración con cualquier sujeto" dice Stephen Lynch al lado de esta composición nostálgica, remembranza de las miniaturas de Vermeer (según él). Para lograr el efecto de "antigüedad" aplicaba "diversos tratamientos al film (enfriamiento y calentamiento rápido)". Imagínense, tanto proceso... y volvemos a lo mismo: ahora con el Photoshop basta con unos cuantos clicks... http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/el-primer-numero-se-perdio-veamos-el.html

http://disderifotografia.blogspot.com/2010/04/visiones-creadoras-velocidad-increible.html


Aquí Witkin...

Si el Stephen Lynch de arriba es el mismo de aquí http://www.stephen-lynch.com/ podemos ver como se actualizó en las técnicas de difusión de su obra, pero abandonó su teoría de la composición con cualquier sujeto. En aquellos años comentaba refiriéndose al fotoperiodismo: "...Particularmente puedo decir que no disfrutaba en este trabajo, porque tenía la sensación de ser un simple espectador de los acontecimientos, y carecía de control sobre lo que fotografiaba". Esa rebelión ante la pasividad y la exigencia de control están ausentes en sus galerías actuales. Vemos en ellas ahora resignación y renuncia; ya no hay obsesión... O quizá simplemente cambió "su línea de trabajo"...

Se despide Stephen con un consejo: "... estudien en revistas y libros (cosa que hace este bloguero), y decidan después quién piensan es el más grande fotógrafo del mundo para después convertirse en su asistente" (tratándose de Witkin, ni estando loco).

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jueves, 10 de junio de 2010

9:10 1

Un fotógrafo sensible... y las clases sociales...

Mitchell Funk "sentía" que algo faltaba en sus fotografías; sentía la necesidad de distinguir sus imágenes con filtros, exposiciones dobles, sobreimposiciones con celofanes, transparencias y más... "lo más importante es crear sensaciones con el color y la composición".

Como "taxidriver" en Nueva York para sostenerse, encontró "cierta tensión en el aire", pues a los neoyorkinos les molestaba ser fotografiados. Los más hostiles amenazaron con cuchillos al fotógrafo.

En aquel tiempo -1972- la idiosincracia neoyorkina debía ser muy particular al respecto. Ahora, si lo mismo sucede en todo el mundo, será por causa de la globalización que todo lo iguala, pero más debido al internet. Aparecer en una página "maliciosa", por no decir pornográfica, es un temor involuntario de las personas más confiadas. Estas pueden ver imágenes de fraudes, chantajes, secuestros, etc., sugeridas por el noticiario de la mañana. Con el paso del tiempo, la gente desaparecerá del arte fotográfico a causa del temor a ser víctima de un crimen si se deja retratar... probablemente para el 2012, año apocalíptico. En las galerías de arte podrán apreciarse fotos maravillosas de paisajes, construcciones, animales, panorámicas... y de los amigos y parientes del fotógrafo.

La industria fotográfica deberá tomar medidas contra esto; si no, para qué querrá comprar cámaras el consumidor, si sólo podrá retratar a su gato y las plantas del corredor...

De momento, nos gustaría conocer la técnica del autor de este blog: http://onthecorner.com.ar/ ¿La idiosincracia argentina es más amable que la neoyorkina? ¿Será cuestión de clases sociales y no de países? Tal vez Mitchell quería retratar trabajadores manuales portadores de cuchillos con mucho filo, gente de bajos recursos; en cambio, onthecorner toma fotos de transeuntes elegantes portadores de vestidos con mucho estilo, gente con buenos recursos. A menos que porten armas en sus bolsos de piel importada... En fin, que la sociología fotográfica nos ilustre un día...

Mitchell Funk tenía "tal sentimiento al hacer sus fotos, que no le importaba pagar el costo de las copias él mismo, para poder así mantener su libertad creativa". Y concluye la revista: "combina el espíritu del aficionado con la habilidad profesional. Esto podría ser una buena definición de lo que es un artista de la fotografía". Bueno, que así sea. Veamos ahora las "sensaciones de color" creadas por Mitchell en aquellos años. Después podrán descubrir cómo evolucionó su tecnica si visitan su página web. Este Mitchell es uno de los pocos sobrevivientes en activo y adaptado a las nuevas tecnologías...

No ponemos más. En su página encontrarán sensaciones saturadas de color como no han visto jamás: http://www.mitchellfunkart.com/
Podemos ver en sus galerías que fue hasta los noventas cuando se le pasó el susto de los cuchillos, pues empiezan a verse algunas personas en sus fotografías; aunque tienen las cejas fruncidas...
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martes, 25 de mayo de 2010

17:47 0

Como dijo Don Tiofilito (Teófilo Gautier): Quien no ha imitado nunca, no ha sido nunca original.

"...muchas veces he encontrado fotos que llaman poderosamente mi atención ya sea por el ángulo, la composición o alguna otra cosa que me parece diferente y trato de hacer algo semejante. NO las copio o las repito, esto sería mentirme a mí mismo, únicamente trato de encontrar ese algo diferente y la mayor parte del tiempo lo consigo y los resultados me sorprenden; son tan diferentes que no se parecen en nada a la idea original." Según él mismo, Walter Rudolf Strecke practicaba el pastiche fotográfico con honradez y buenos resultados.

Esto puede contradecir la opinión sobre la falta de originalidad expuesta en este "post":
Si el fotógrafo ve una fotografía de una cascada ubicada en el continente más alejado de su país, al tomar una foto desde el mismo ángulo, tratando de captar la misma composición, aunque quisiera no podrá copiarlas o repetirlas, ya que son dos cascadas completamente diferentes... Lo mismo debe pasar con las calles. Y sin esforzarse mucho logrará "ese algo diferente" debido tan sólo a las diferencias en el vestir de la gente, los adornos de las fachadas, etc...

Y como no somos dogmáticos ni convenencieros, ponemos la opinión de un fotógrafo español muy votado en Artelista: "Realmente en cualquier formato del arte los temas son siempre los mismos, sólo que cada autor y cada movimiento le aporta su visión personal.

No se.... se me ocurre por ejemplo la en la poesía el amor no correspondido, que es uno de los temas más usuales a lo largo de siglos y siglos... y no por ello es un tema agotado.

En la fotografía, pues cada uno conociendo el pasado le aporta cosas nuevas. Es cierto que fotos de calles donde se vean farolas y alguna ventana con las sombras de la luz del sol hay miles, pero es que hay que ser realista.... un contraluz con un escapa (doble) en diagonal siempre llama la atención, y si la gente que pasa aporta algo a la imagen, o hay algun elemento destacable que llene la foto mejor que mejor.

Yo por ejemplo mis fotos de agua las suelo hacer en unos cuantos ríos a los que voy de vez en cuando, y me doy cuenta que tiendo a hacer una y otra vez fotos en los mismos sitios con encuadres parecidos.... pero es que es lo que veo que tengo que fotograiar en ese momento, en lo que mis ojos me piden que fotografíe... eso si, despues nunca una foto es igual a otra, siempre hay algo que la hace diferente, la luz, la saturación, el encuadre,..." Pablo Álvarez Soria

Así, que tal vez tengamos que retractarnos por lo dicho en varias entradas del blog, ni modo.
De todos modos: ¡Viva el Uleosionismo y el Photoshop!

Seguimos con Walter Rudolf Strecke, de quien no hace falta decir que los robots de Google no lo conocen... "Cuando salgo a tomar fotos, no me detengo por mucho tiempo a observar el sujeto o el objeto deseado, simplemente lo estudio y le busco el mejor ángulo posible; creo que es una excelente manera de hacer fotografía". Y una pésima forma de expresarse... Ustedes recuerden que aprendimos a tomar fotografías con esta revista... y también a escribir... O cómo es que puede "estudiar" el sujeto sin "observarlo".

Es hora de ver los pastiches... las fotos de Walter:
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lunes, 10 de mayo de 2010

17:49 0

La excusa para los pintores fracasados de Baudelaire...

"...en ella [la pintura] no me sentí totalmente satisfecha, ya que mis manos no expresaban lo que en realidad sentía. Me estorbaban. No rendían lo que deseaba. No podían plasmar lo que yo veía." No sólo culpa a sus extremidades, sino que además se volvió fotógrafa por seguirle la corriente a su marido: "...simplemente para compartir la afición de su esposo". Afortunadamente "... en ella encontró una vía de expresión para sus inquietudes". Ahora, (en aquellos años) está "...en el camino de encontrarme a mi misma".



A ver si alguno de los cientos de seguidores del blog encuentra fotos o alguna mención de nuestra fotógrafa condescendiente aquí en google: Sylvia Barky.



En espera de sus respuestas seguimos con los comentarios expertos de ella: Cuando toma una foto "...lleva únicamente la sensación de lo que quiere plasmar; va abierta al medio ambiente para captarlo en cualquier forma y como se presente". Aquí algo interesante: "Detesto hacer arreglos (se refiere al trabajo en el laboratorio y en el estudio) porque la fotografía pierde su originalidad, que es lo que busco al fin y al cabo..." Entonces ni hablar del Photoshop...



En qué podemos quedar: la pintura es un medio incompleto, incapaz de expresar los deseos del artista; la fotografía es superior a la pintura porque sí lo hace... O como decimos en mi pueblo: cuando la partera es...
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jueves, 6 de mayo de 2010

17:31 0

Sigan este blog. Las opiniones sirven para mejorar...

En este número les presentamos el portafolio de dos fotógrafas:

Visa Kent, quien llegó a ser Jefa de los Salones Mensuales del Club Fotográfico de México, agudizó su sentido crítico gracias a "las opiniones, comentarios y críticas de los jueces de los concursos mensuales del club". Debido a tal agudización del sentido crítico, "a pesar de contar con un gran número de fotografías, le satisfacen sólo unas cuantas". Nosotros podremos tener miles y gustar de unas pocas sin mayor problema, gracias a la tecnología digital; ella seguramente las tenía ya hechas en papel, lo cual habla muy bien de su honestidad artística... Enseguida veremos unas para saber si tenía razón en sus preferencias o si le retiramos el reconocimiento a su honestidad; pues si estaba equivocada entonces sólo se trata de confusión. Claro, no podemos saber si las siguientes eran de sus favoritas...

Algo muy lamentable y muy natural ya en estos fotógrafos invitados es su ausencia o intrascendencia en internet. Visa Kent es una de las ausentes. Ni siquiera en la propia página del club donde fue "Jefa de Solones" figura su nombre. http://www.clubfotomexico.org.mx/
Seguramente la tendrán presente físicamente (es decir, sus fotos) en las galerías del club; como éste tiene sesenta años de vida, y tantos fotógrafos han expuesto sus trabajos en aquellas, esperemos que sus instalaciones sean bastante grandes...

La moraleja de esta entrada es esta: lean este blog con detenimiento pues los comentarios y opiniones de los fotógrafos aquí presentados pueden servirles para algo. Las críticas vendrán después, porque la revista ponía su sección de crítica también.

Bueno, van las fotos:











¿Qué creen, cuáles son las que le gustarián a Visa y cuales no la tendrían muy satisfecha?
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martes, 27 de abril de 2010

17:09 0

Ver lo que es y no lo que debería ser...

Si los fotógrafos que abandonaron la pintura (para no llamarlos más "pintores fracasados convertidos en fotógrafos") necesitaran un santo patrono tal vez deberían escoger a Thomas Eakins como tal. Y tal vez deberían seguir su ejemplo, también, pues el no renunció a una técnica por otra, sino que trabajó las dos, de muy buena manera, según los críticos. - Ya sabemos que Man Ray, Dalí, Picasso y otros más también, pero vamos con calma...-



Thomas Eakins pintaba "como si su pintura necesitase para ser hecha de un largo tiempo de exposición igual que las emulsiones lentas de su tiempo", porque le gustaba "representar el momento de inacción de su sujeto - un remero entre uno y otro golpe de remos, el pugilista en el momento de reposar entre los raunds-".



Walt Witman, pintado y fotografiado por Eakins opinaba de éste: "Yo nunca he conocido más que un solo artista que pudiese resistir a la tentación de ver lo que ellos creen que debería ser, en lugar de lo que es, y ese artista es Tom Eakins". Porque Eakins era un pintor naturalista.



"En los tiempos en que Eakins compaginaba fotografía y pintura, el mundo se conmovía con las exposiciones anuales de la Photographic Society of London, ya que los críticos no estaban seguros de si la fotografía era un arte o una ciencia, un poco de cada cosa o ninguna de ambas". Estamos hablando del año mil ochocientos y tantos. Vean esta interesante línea del tiempo encontrada buscando imágenes de Eakins en Google:

http://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/43.87.25




Algo curioso y muy común en estas búsquedas en la red es la repetición (copy paste) con que se construyen infinidad de blogs sobre el mismo tema. Chequen la biografía de Eakins en todos los sitios que encuentren y verán que dicen textualmente lo mismo. ¡En http://disderifotografia.blogspot.com le garantizamos contenido ciento por ciento exclusivo y original... no se deje sorprender...!



Notamos este detalle insignificante del plagio al por mayor porque ningún blog menciona la práctica fotográfica de Thomas Eakins, lo cual estábamos buscando... La manía de atesorar información en grandes cantidades sobre cualquier tema debe producir una satisfacción morbosa y bastante mediocre, supongo. (Igual que la manía de comentar los detalles más insignificantes sobre cuestiones ya superadas por las mentes más brillantes del planeta...ji.)

Regresando a la revista, dice "la búsqueda de temas más elevados que la mera reproducción ejerció particular atracción sobre muchos que hasta entonces se habían dedicado a la pintura y surgió entonces la desafortunada tendencia de hacer fotografías en vez de tomar fotografías". Las cursivas son nuestras...ja.



Así, el pictorialismo fue una corriente muy mal vista por los redactores de la revista...O simplemente se refieren a la opinión de Walt Witman sobre aquello de "ver lo que ellos creen que debería ser -hacer fotografías-, en lugar de lo que es -tomar fotografías-".
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sábado, 24 de abril de 2010

10:15 2

¿Que hay detrás de una pintura?

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jueves, 22 de abril de 2010

17:10 0

Visiones creadoras a velocidad increible...

A Michael Powers la vida en California le era completamente ajena, por eso, decidió viajar a México y vivir allí hasta "apurar la última gota de las posibilidades artísticas". Como varios más de nuestros invitados, Michael Powers es un ausente en la red de Internet. Este amante del color no concebía la fotografía en blanco y negro como una realidad artística, ni siquiera como una posible elección para el fotógrafo: "percibir sólo la luz y la sombra en una gama de gris se me hacía inaceptable".

Michael decidió abandonar la literatura y la pintura por la fotografía, pues ésta tenía la capacidad de "transformar mis visiones creadoras en realidad, a una velocidad increible". ( ¿Otro pintor fracasado? )
La velocidad de reproducción le fascinaba, ya que la pintura "no marcha al ritmo del siglo veinte". Tal vez por esto se inventó el Corel Painter; para ahorrar tiempo y esfuerzo a los artistas del pincel... Además de fascinado, Powers estaba maravillado por que podía "aumentar o eliminar algún color, combinar imágenes de diferentes negativos, añadir texturas, solarizar... las posibilidades son infinitas". Chet Morrison opina todo lo contrario: http://disderifotografia.blogspot.com/2010/02/algo-estimulante-al-fin-en-el-numero.html y Sandra Sue no parece resentida con los negativos como Chet, pero sí agradecida por las "layers" del Photoshop, pues "podía mezclar al infinito imágenes y alterarlas sin tener que cortar negativos ni pasarme horas en el laboratorio". Ella coincide con Michael en el ahorro de tiempo, por lo menos... http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/nada-en-el-nueve-pasamos-al-diez.html

Michael se despide con unas palabras de aliento para los artistas, animándolos a aceptar el reto de la fotografía, por que ésta "permite al artista mayor libertad y poder creativo en esta rápida evolución del siglo veinte".

De manera que el artista debe adoptar nuevas técnicas artísticas acordes con la marcha del tiempo... ¿Seguirá la fotografía el ritmo de este siglo veintiuno? Por lo menos, como dice Sandra Sue, ya no hay que encerrarse durante horas en el cuarto oscuro, basta con descargar las fotos en la computadora y la mitad del trabajo está hecha ¡en segundos! La solarización, por ejemplo, ahora se produce en un instante:
¿En qué siglo habrán descontinuado la pintura? ¿Será suficiente la velocidad de producción de una obra de arte como criterio para decidirse por una técnica u otra? Mejor pasemos a ver cómo aprovechaba esta velocidad Michael Powers:





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domingo, 11 de abril de 2010

18:25 0

Cine vs Fotografía...

Joe Bruno soñaba con dirigir sus propias películas, porque "éstas ofrecen más posibilidades de expresión que la fotografía y creo que es una progresión natural la que lleva de la fotografía a la cinematografía..." ¿Será una confusión mental creer que una forma de expresión artística es mejor que otra, sólo por que la nueva predilecta utiliza técnología inovadora? José Pacindo López consideraba la fotografía superior al dibujo; Joe la suponía inferior al cine. ¿Es una progresión natural también la que lleva del dibujo y la pintura a la fotografía?


La red nos muestra la imposibilidad de los sueños de Joe Bruno; nada sobre él como director de cine, como fotógrafo tampoco... Ningún emocionante debate se ha iniciado todavía sobre el antagonismo entre cine y fotografía... desde el punto de vista de la supremacía...

Viendo las fotografías de Joe Bruno puede ocurrírsenos preguntar hasta que punto sería válido considerar el contenido de la red de internet como parámetro para medir la importancia y trascendencia artística de algunos fotógrafos, y en general de cualquier artista. Nombres como Cartier, Man Ray, Agnet, Witkin, Capa y muchos más nunca faltan; en cambio algunos cuyas fotografías parecen bastante buenas son por completo desconocidos (Entendiendo "desconocidos" como no encontrados en las búsquedas por internet). Y ya pasaron bastantes años desde su aparición en esta revista como para ser rescatados del olvido por algún estudioso. Claro, no estamos diciendo que Joe Bruno sea uno de ellos...




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17:35 0

La oportunidad en la fotografía...

Con gran emoción esperábamos encontrar fotos de asombrosa calidad artística en alguna galería virtual del fotógrafo invitado en turno, pero no hubo nada; Dieter Nevel es un absoluto desconocido en la red. "Para él, la fotografía es captar en el momento una situación irrepetible, ya que las luces, el ambiente, las condiciones generales nunca se volverán a presentar otra vez de la misma manera". Aparte de esta sucinta opinión, nos ponen un resumen extenso de su vida como aficionado a la fotografía: comerciante y reportero en el mundial de México en el ´70, grandes premios y juegos olímpicos para la revista alemana Kicker Sportmagazine.

Con tan pocas opiniones y comentarios del fotógrafo y la revista, mejor ponemos esos momentos tan "irrepetibles" captados por nuestro artista invitado:







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13:27 0

Sin trucos por favor...

Jorge Contreras Chacel era "enemigo del truco fotográfico", -considerando como truco la realización de sandwiches, solarizaciones y otras técnicas de laboratorio-, aunque aclaraba: "si no se ha planeado en el momento de tomar la foto".

Según la revista, "este concepto debe ser prevalente en la formación de todo fotógrafo". Jorge Contreras estableció un principio muy válido en fotografía: la visualización de la foto antes de realizarla.

Algo sobre lo que ya habíamos encontrado opiniones en otro número:
http://disderifotografia.blogspot.com/2010/02/veinte-y-la-continua-experimentacion.html

Jorge no quería que la fotografía fuera "producto de la casualidad o de una afortunada combinación de recursos, sino la culminación de una meditada preparación y realización". Qué pensará una de nuestras fotógrafas favoritas sobre esto, cuya opinión es:

"Habitualmente, el proceso creativo comienza a partir de un concepto o idea que plasmo en imagen a través de la fotografía, a continuación, paso al Photoshop donde el concepto pierde fuerza y la plasticidad, la búsqueda por satisfacer un sentido muy personal de la estética, es lo único relevante." Asun Aparicio, http://asunapariciofotografia.blogspot.com/

"La búsqueda por satisfacer un sentido personal de la estética" (sin tener aun la imágen final en la mente) podría dar como resultado "una afortunada combinación de recursos" en el Photoshop. Podemos comprobarlo visitando el blog de Asun. Y a propósito, es la última vez que la menciono, lo prometo.


Jorge insiste en que "el fotógrafo debe tener un concepto previo de la fotografía". Pero él entendía "concepto" como una imagen ya formada del resultado final, es decir, ya sabía cual sería su fotografía. Asun Aparicio empieza con un "concepto", pero entendiendo la palabra como una idea, no como una imagen, la cual encontrará después en el Photoshop, combinando los recursos de este programa. Realmente, las dos posturas son útiles para cada quien, pero lo importante es el resultado final.

En este link encontramos un elogioso comentario sobre la personalidad de éste fotógrafo vidente:


“Contreras Chacel era un fotógrafo meticuloso. Conocía a la perfección el funcionamiento de sus cámaras, dominaba el comportamiento de la luz y controlaba al detalle el trabajo de laboratorio. Procuraba la excelencia en sus composiciones, sus iluminaciones y sus impresiones. Sin embargo, lejos de ser rígido y acartonado, era espontáneo y gustaba del juego y la improvisación [¿se puede improvisar cuando ya tienes en la mente un "concepto previo de la fotografía?]en su trabajo. Siempre enterado de lo que acontecía a nivel mundial política, económica, social y culturalmente, [Sin embargo, "afirma(ba) desconocer a los fotógrafos mexicanos", según la revista; y bueno, tenía 25 años apenas en esos tiempos.] su conocimiento de la historia de la fotografía y el arte era vasto. Era un fotógrafo en toda la expresión de la palabra.”

Si quieren ver más fotos de este fotógrafo que alardeaba de su formación en la Famous Photographers School, descárguense un bonito PDF desde aquí:

http://www.revistadelauniversidad.unam.mx/0704/contenido.html

Y aquí unas muestras de sus conceptos previamente visualizados:










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miércoles, 7 de abril de 2010

16:25 0

Esencia y trascendencia...

Domingo Hurtado del Río buscaba [al hombre] en "momentos trascendentes donde la proyección es más individual, más personal, en esa soledad cósmica que se expresa dramáticamente en un sol que comienza a ocultarse para abstraerse él también, donde lo cercano se opaca, para quedar el horizonte de los sueños y las ambiciones , más nítido y despejado"


Aquí está el "horizonte de los sueños y las ambiciones más nítido y despejado" de Domingo Hurtado.
Cardiólogo de profesión, figura en el consejo editorial de esta revista:

Lamentablemente, sigue la costumbre del ostracismo cibernético como la mayoría de los fotógrafos invitados de esta revista. Veamos el resultado de su búsqueda del hombre en soledad, a quien procuraba no "disturbarlo en su abstracción" utilizando dos lentes, uno de 105 mm y otro de 180 mm., para "ajustarse al cumplimiento de uno de los axiomas fotográficos enunciado por uno de los maestros mundiales: - si la foto no es buena, es que no se está suficientemente cerca- (Weston)." Para Hurtado "tal principio es norma"...















Estas dos últimas les recuerdan sin duda las de este número:

Momentos "trascendentes"; proyección "más individual, más personal"; soledad "cósmica"; todo esto expresado "dramáticamente"... Esos momentos trascendentes ¿serán lo mismo que la "esencia" del momento de Jorge Barquet?

Esencia y trascendencia, aquí tenemos dos conceptos para capturar con la cámara. La esencia es "aquello que constituye la naturaleza de las cosas, lo permanente e invariable de ellas". ¿Si buscamos captar la esencia de un momento somos realistas, naturalistas? Y si nos interesa la trascendencia: "quello que está más allá de los límites naturales y desligado de ellos." RAE, ¿somos idealistas?

Pero esencia y trascendencia también significan lo más importante de las cosas; una es un estado, la otra es una consecuencia. En todo caso, hablamos de objetivismo y subjetivismo. Podemos representar la esencia de manera subjetiva, para resaltarla más... Después de esta reflexión tan profunda, volvamos a la soledad del hombre... Bueno, mejor ahí la dejamos.
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lunes, 22 de marzo de 2010

20:12 0

Ser o no ser artista...

Jaime H. Carrillo trabajó nada menos que en un laboratorio de la Kodak para convertirse en "alquimista de la imagen". Ya ni mencionar su ausencia en la red. En la descripción de su personalidad se dice que "combina en buena parte la calidad artística con el saber del químico, [] una extraña combinación". Y el redactor se abalanza de inmediato al análisis de su obra: "En sus trabajos trata de encontrar siempre algo fuera de lo convencional, desbroza caminos inexplorados tras algo que a simple vista no puede verse pero que sin duda es una obra de arte". Quiere decir que encuentra puntos de vista inhabituales en las cosas y las convierte en buenas fotografías... Este fotógrafo quería "lograr fotos diferentes de algo que siempre es visto desde el mismo ángulo, aunque en realidad [] trata [de] proyectar su propio punto de vista". ¿No es lo mismo?

"...captar la imagen de lo que el ojo bisoño no ve y transportarla al papel de tal modo que impresione al observador" el la idea de Jaime H. Carrillo sobre la fotografía.


De esta foto nos dicen: "Mediante entonadores Carrillo consiguió dar una textura de color única a esta foto. La habilidad está en que el virado se realizó con tres entonadores distintos y por consiguiente en tres etapas distintas de revelado. Los entonadores utilizados fueron el sepia, el azul y el naranja". La fotografía original era blanco y negro. Cuanto trabajo nos ahorra el Photoshop...








¿Combinar la calidad artística con el conocimiento técnico no es algo inherente a cualquier artista? ¿Cómo se puede conseguir la calidad artística sin la habilidad técnica? ¿Podría considerarse habilidad técnica el manejo de un "sofware" para producir imágenes, como el Photoshop, y puede considerarse dicha imagen poseedora de calidad artística?
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domingo, 21 de marzo de 2010

19:11 0

Libros en el número veintitrés...



THE COMPLETE PHOTOGRAPHER, por Andreas Feininger. Editada por Thames and Hudson.
Resumen de muchos años de práctica y conocimiento de un fotógrafo completo...




EVE NOIRE, Hans Leuenberger. Editado por Hans Reich Verlag de Munich.

Lástima, un tesoro perdido, ninguna librería cibernética lo tiene.

Fotos de la mítica mujer africana con sus gestos, tradiciones y costumbres. Recoge desde el tatuaje y las pinturas corporales primitivas del Camerún y de los dos Congos, hasta las mujeres uniformadas de Accra, las profesionistas de Nigeria o las modelos de color de Londres y París.
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